La finalidad del recital es recoger fondos para la fundación, cobrándose 3 euros la entrada ( no es mucho, y es un dinero bien usado). Participarán un gran número de poetas con diferentes estéticas , para quien le guste la poesía, será una grata experiencia.

En segundo lugar, deseo informaros de una nueva revista de creación, www.palabrasdescalzas.com su primer número se ha publicado en este mes de abril. En ella encontraréis interesantes escritos de poesía, relatos, reseñas, artículos, entrevistas, y para aquellos que escriben ( creo suponer que la mayoría) pueden enviar sus escritos para que se los publiquen, tienen una sección de colaboraciones.

Espero que sea de vuestro agrado, y también espero leeros.

Hasta pronto

En esta ocasión relataré una historia interesante y verídica referente a Chéjov y el mundo del teatro  que me gustaría compartir con ustedes. Demuestra lo que ya sabréis, el camino de un escritor no es todo miel sobre hojuelas.

Nos puede resultar curioso los orígenes del teatro realista ruso, derivado del teatro de siervos, los actores eran campesinos instruidos en el arte del teatro para entretener el ocio de la nobleza. Recordemos que el señor poseía no sólo las tierras, también a los campesinos. De este modo, cuando en 1861 fue abolido el régimen de servidumbre, Rusia se encontró con numerosos actores, bailarines, músicos que pertenecían a esa servidumbre. En esta época se representaba obras francesas y se comprendía la urgente necesidad de crear un teatro más conectado con la realidad rusa.

Fue en 1898 cuando se creó el famoso Teatro de Arte de Moscú, dirigido por Stanislavski . Construyeron por fin un hermoso edificio, pero necesitaban dramaturgos, y se entrevistaron con Chéjov, ya famoso por aquel entonces como narrador, y  como dramaturgo. Gracias mayormente a Dánchenko, pues Stanislavski no apreciaba a primera vista su obra La gaviota.

La gaviota de Chéjov se había estrenado el 17 de octubre de 1896 y resultó un rotundo fracaso, calando este desastre hondamente en el ánimo de Chéjov hasta el punto que salió huyendo de San Petersburgo hacia Moscú ;  a las dos de la mañana dejó una nota a su amigo Suvorin, importante editor y dueño de un teatro privado, en cuya casa estaba alojado: “Jamás olvidaré la noche de ayer…Nunca más volveré a escribir una obra de teatro”. Pero la vida da giros imprevisibles  y el 22 de junio de 1897 se entrevistaba con Stanislavski y Dánchenko, cambiando sabiamente de opinión.

En 1898 se estrenó una nueva versión de La gaviota, dirigida por Stanislavski, y se convierte en todo un éxito, en un símbolo del teatro ruso moderno. Este triunfo los alentó para estrenar Tío Vania , Las tres hermanas y El jardín de los cerezos, todas aplaudidas, lo que hizo que se estrenaran obras anteriores de hacía diez años como El oso, El canto del cisne, La petición de mano, Tatiana Repín, El aniversario, hasta la prematura muerte de Chéjov.

Parece ser que a Chéjov todavía le quedaban secuelas de aquel fracaso suyo y no asistía a los ensayos ni tampoco a los estrenos. La última obra de Chéjov, El jardín de los cerezos se estrenó en el Teatro de Arte el 17 de enero de 1904. El papel de Raniévskaia fue interpretado por su esposa Olga. Chéjov fue trasladado al teatro, llegó durante el tercer entreacto, y allí, le rindieron homenaje todas las figuras relevantes del mundo literario y artístico. En julio de ese mismo año morirá nuestro escritor, víctima de la tuberculosis.

En el éxito de las obras teatrales de Chéjov influyó no sólo Stanislavski,  como director de escena, también el escenógrafo Víctor Simov, quien dotaba los montajes de Stanislavski-Chéjov de una atmósfera psicológica y poética.

¿ Cuál era la magia de Constantin Stanislavski?  Para este director el  teatro  se fundaba en el trabajo dramático del actor. Los actores deben  vivir en la escena, no representar, mostrar la ” verdad interior “  al público;  su llamado realismo psicológico, proyectar de manera más real el mundo emotivo de los personajes.“La mente del actor debe estar abierta a las ideas de su tiempo, a los rasgos de su tiempo, profundizar en el pensamiento, conectar con el alma humana, observar la vida en su totalidad y cobrar conciencia de ella”. En el desarrollo de su método su interés  se desplazará  de la psicología a  la  expresión corporal- el método de acciones físicas- destacando la importancia de los movimientos, la gesticulación, la disposición física,  en busca de toda una gramática de la actuación.

A sus alumnos les aconsejará ” No tratéis de abriros paso a empujones para ocupar las primeras filas en la profesión; no busquéis distinciones ni recompensas; dad, en cambio, lo más posible de vosotros mismos para llegar a penetrar en el mundo de la belleza…”   Hermosas y difíciles palabras. Podréis encontrar más información  sobre este relevante director y sus teorías  en el enlace ,  a quien le guste el teatro, lo disfrutará.

Estoy de acuerdo con los autores que califican el teatro de Samuel Beckett de existencialista. Su teatro del absurdo, como se llamó a una serie de obras estrenadas en Paris en los años 50 y representado por Ionesco, Adamov o en España Arrabal, entre otros, se empapa de la filosofía existencialista que arrasó Europa tras la Segunda Guerra Mundial, algunos cotan más y ramifican dentro del existencialismo, la filosofía absurdista de Camus. Si el sentido de la vida brilla por su ausencia y no hay razón de ser ni de existir, si se derriba de su pedestal a la madre lógica,todo se tiñe de absurdo con un estilo cómico que invita a la sonrisa en las ruinas de la existencia.

Esperando a Godot es una obra sencilla que consta de tan sólo dos actos, paralelos, repetitivos, cíclicos. El inicio es semejante, también el paisaje en ambos, la misma situación de espera, incluso gestos, movimientos, situaciones y conversaciones son recurrentes en los personajes. La nada fluyendo en la escena, donde por inercia- o esfuerzo por vivir- se reitera y reitera, sin saber qué hacer en ese hueco de tiempo sin trayectoria, porque toda acción es fatua, inútil, vacía.

El escenario, un paisaje desnudo, ya nos transmite cierta desolación. Los protagonistas, Vladimir (Didi) y Estragon ( Gogo) parecen vagabundos, seres desahuciados, frágiles y disparatados. Se inspiran los autores de este teatro en el cine cómico, y nuestros dos protagonistas nos recuerdan a la pareja de El gordo y el flaco. Ambos tienen necesidad del otro pero también piensan que están mejor solos. Hay desacuerdos, se riñen, pelean, pero no se separan, expresándose igualmente afecto y ternura. El otro, su camarada y amigo, es lo único que parecen poseer, e igual que se agarran a la vida, también se arraigan en el otro.

El diálogo se presenta incoherente , incongruente; o bien no se contestan, o no se escuchan, falta la continuidad lógica en la comunicación, reflejando de este modo la incomunicación del ser humano, la soledad, matizado con una ironía que suaviza el trasfondo. En medio de esa maraña de palabras sin fondo, o situaciones sorprendentes, aparecen frases lúcidas, desesperanzadoras.

No hay nada que hacer, la frase inicial, nos indica cómo sienten que no hay solución en sus vidas, o ellos no la encuentran, salvo esperar a Godot, que parece ser la salvación, una salvación que siempre se retarda para el día siguiente y que nunca llega. En esa espera “siempre encontramos alguna cosa que nos produce la sensación de existir”, pero resultan iniciativas carentes de significados, “¿Acaso duermo en este instante? Mañana, cuando crea despertar, ¿qué diré acerca de este día?… A caballo entre la tumba y un parto difícil…El aire está lleno de nuestros gritos. Pero la costumbre ensordece.”

Aparecen también es escena dos personajes, Pozzo, quien parece simbolizar la clase dominante, poderosa, explotadora; y su viejo criado Lucky, a quien lleva atado de una cuerda y trata de modo déspota.

En el segundo acto, a simple vista nada ocurre, pero ya lo dijo Heráclito “nadie se baña dos veces en el mismo río” y se constata una progresiva degradación en los personajes y acentuación de la violencia, desesperación, hastío, mostrada con mayor crudeza. El final del primer acto, paralelo al segundo, clava a los personajes en un inmovilismo asentado por la costumbre o por el afán de vivir, a pesar de todo, que hace suponer al lector, vuelta a empezar.

A pesar de su carga pesimista disfrutarán con la maestría de convertir lo trágico en cómico, dejando al desnudo a nuestros dos desamparados amigos en un mundo hostil, cuyas peripecias, no falto de ternura, os conquistará. En pleno teatro del absurdo ¿simbolizaría Beckett con esta espera sin fin, tal vez, a la propia esperanza?

“…y pensé que tenía que estrujar la tristeza, hacerla pequeña en seguida para que no me vuelva, para que no esté ni un minuto más corriéndome por las venas dándome vueltas. Hacer con ella una pelota, una bolita, un perdigón. Tragármela”

Mercé Rodoreda exhibe con su escritura maestría y dominio del lenguaje, habilidad e ingenio al transmitirnos de un modo aparentemente sencillo, ocultando nuevos usos de complejidad técnica y retórica, el papel y la situación de la mujer durante la Segunda República y la Guerra Civil, cuya vida, de modo inevitable, se ve agraviada por el acontecer histórico, situándose la novela en la ciudad de Barcelona.

Es la suya una evocadora narración empapada de lirismo, símbolos y poesía, mostrándonos un peculiar y característico modo de narrar. Una humedad de visualidad, sensaciones, colores y olores que nos va mojando hasta traspasarnos la piel, salpicada a ratos por ingenuas sonoridades.

La narradora construye su personalidad a través de su propio discurso. Conocemos su subjetividad femenina no por lo que refiera explícitamente sino por las sugerencias de sus frases , por el modo de decir, y por el centelleo que de sí misma captamos en las múltiples descripciones realizadas. Una totalidad en la que el exterior y el interior se funden, lo colectivo y lo personal cohesionan. El personaje femenino usa igualmente para perfilarse la contraposición, es decir, se caracteriza por oposición , y también como era usual en la época, subordinación al masculino, Quimet, su antónimo.

Llegado el momento del estallido de la guerra, se muestra la historia de lucha y entusiasmo, de derrota, muerte y hambre, aumentando la intensidad trágica de la novela hasta la desesperación ” todo estaba cansado como una gran enfermedad”. En el preciso instante en el que Natalia no ve más solución que la muerte, da un giro su vida y aparece Antoni, el tendero, quien precisamente le vende la botella de aguafuerte, el medio con el que pensaba suicidarse y matar a sus hijos. No obstante, en esa nueva placidez , Natalia vivirá atrapada en el pasado, trastornada, incluso martirizada. Será ese famoso grito, expresión y arrojo fuera de sí de todo el dolor y pasado arrastrado y silenciado, su liberación, allí, en la Plaza del Diamante, donde conoció a Quimet, donde todo comenzó.

” …Y sentí intensamente el paso del tiempo. No el tiempo de las nubes y el sol y de la lluvia ni del paso de las estrellas adorno de la noche, no el tiempo de las primaveras dentro del tiempo de las primaveras, no el tiempo de los otoños dentro del tiempo de los otoños, no el que pone las hojas a las ramas o el que las arranca, no el que riza y desriza y colora a las flores, sino el tiempo dentro de mí, el tiempo que no se ve y nos va amasando. El que rueda y rueda dentro del corazón y le hace rodar con él y nos va cambiando por dentro y por fuera y poco a poco nos va haciendo tal como seremos el último día”

¿ No os parece sencillamente magnífica esta escritura? Perdonad que no me ciñera a la literatura rusa, pero no he podido resistirme, pensaba aconsejar los Cuentos de Chéjov, será ya en otro momento. Por cierto, en el cercano 2008 se celebrará el centenario de esta escritora. Lean esta novela, se sorprenderán.

En este acercamiento íntimo a los clásicos rusos me sorprendieron algunos rasgos comunes. No es de extrañar, por ejemplo, que coincidieran en su espíritu crítico contra el sistema político y social que regía, podría decirse generalizado en la época del realismo y naturalismo, pues el escritor necesariamente es un pensador y observador de la vida, en constante búsqueda de la verdad, un denunciante de la realidad ilegítima. Consecuencia de ello, el segundo rasgo, su espíritu rebelde, la denuncia que hacen con su literatura les encamina a comprometerse con su propia vida.

La época fue determinante y nos encontramos con una situación descarnada en el país. Cómo no oponerse a un régimen absolutista y retrasado, a una alta sociedad frívola, egoísta y ociosa hasta los huesos, mientras los campesinos sufrían toda clase de humillaciones y miserias. Máxime, cuando te amonestaban al más mínimo movimiento.

En un breve esbozo, comenzaré con Puhkin, portavoz del espíritu romántico de la rebelión, realiza una honda crítica a su clase social y al sistema de su país, gran defensor del pueblo ruso, es desterrado al Cáucaso por su relación con la rebelión de los decembristas. Lérmontov , también de origen noble, será desterrado igualmente al publicar su poema La muerte del poeta, dedicada a Pushkin.

Dostoievski es condenado a muerte, pena conmutada en el último momento por trabajos forzados en Siberia. Recogió sus experiencias en el presidio en Memorias de una casa de muertos. Turguénev publica Narraciones de un cazador, retratando la vida campesina, y lo consideran un ataque a la servidumbre de gleba y lo confinan en su propiedad rural. Tólstoi, en las sublevaciones que se producen para la liberación de los campesinos, participa a favor de ellos, crea una escuela para sus hijos; durante los años del hambre organiza comedores gratuitos.

Y sin detenernos en todos aquellos pensadores, escritores, artistas que apoyaron y participaron de un modo u otro en la revolución rusa de 1917. Muchos de ellos, más tarde, se vieron obligados a exiliarse, situación que también conocerían, por desgracia, nuestros intelectuales. Y mucho más tarde, llegó la decepción y el desencanto de ese gran sueño de un mundo mejor posible; pero esa sublevación, ese gesto digno , libre , heroico, idealista, vibrante en el peligro, como cuando el protagonista de Tabuchi en Sostiene Pereira, salva la censura y revela el asesinato de su amigo. Una denuncia pública contra la dictadura de Salazar en un hombre triste, solitario y melancólico; ese gesto, como digo, desafiante, que sembró, desencadenó, revolucionó, y también fracasó, en su transcurso histórico ¿No es digno de admiración y encomio? ¿Acaso fue todo en vano? ¿Fueron vanos nuestros sueños porque fracasaran, o nuestros errores?

Hoy, todavía en el aura de desencanto que trajo consigo la postmodernidad, cuando Lyotard anuncia “han muerto todos los cuentos de hadas“ y el ser humano, perdida su confianza en los cambios sociales y el progreso, vuelve su mirada a la vida privada, nos hallamos en las antípodas de aquella historia. La nuestra ( la de los países llamados desarrollados, claro) parece más equitativa, menos brutal, con problemas diferentes pero igualmente censurables. Y sin ánimo de abanderar un compromiso político en el arte, en el profundo respeto a la libertad creativa, sin ánimo siquiera de abanderar, comprendo que volvamos como Chéjov a mostrar lo universal en lo cotidiano y trivial, que retornemos al ser y sus eternos interrogantes.

Pero también reconozco, creo en las palabras, tengo fe, en las letras, y mucho más, en el ejemplo.

El héroe de nuestro tiempo , publicada por primera vez en 1840, se convertirá en la literatura rusa en la primera experiencia de novela social, psicológica y filosófica, dando paso al realismo de Dostoievski y Tolstói.

Lérmontov en la introducción de la novela explicita su intención, “es un retrato, pero no de un hombre individual: es el retrato compuesto de los defectos de toda nuestra generación, desarrollados hasta sus últimas consecuencias“. La interioridad de un ser humano recoge la de todos, la de una época.

La sensibilidad poética del autor se refleja en su cuidada estética, prosa adornada con líricas y bellas expresiones que logran acariciar nuestra fibra emotiva y deleitar al lector con su maestría en el uso del lenguaje. Novela de estilo realista por la minuciosidad en la descripción de los paisajes, nos lleva a imaginar el atractivo exótico y exuberante del Cáucaso; la caracterización de los personajes , y por las costumbres y la sociedad vislumbradas en el trasfondo de la historia.

De original estructuración, provocando dinamismo y agilidad a la trama, se compone de cinco cuentos: Bela, Maksím Maksímych, Tamán, La princesa Mery y El Fatalista. Pequeñas historias enlazadas en las que participan personajes de diferentes clases sociales y cuyo eje central será el protagonista, Pechorín, perfilado por diferentes narradores, con el consiguiente cambio de perspectiva y punto de vista: dos narradores testigos, un desconocido que realiza un viaje y se encuentra al segundo narrador, Maxim Maxímich, camarada veterano y paternal, que relata la historia de su amigo Pechorín, cuya frialdad contrasta con el carácter cariñoso del primero. En una segunda parte el narrador es el propio protagonista, a través de retazos de su diario, mostrándose al desnudo. Este modo de narrar requiere la participación del lector, pues la personalidad de Pechorín se presenta fragmentariamente y seremos nosotros quienes vayamos construyendo su ser.

¿ Y quién es Pechorín? Resulta un desarrollo de Eugenio Oneguin, maravillosa novela de Pushkin, la encarnación del llamado ” hombre superfluo”. Nada ni nadie cala en él, a excepción del cansancio, hastío y aburrimiento. Sufre un sentimiento existencial semejante al spleen de los modernistas europeos. Se siente vacío a pesar de todos los intentos de disfrutar de la vida mundana y sus placeres, de las mujeres, del estudio, para terminar siempre en el puerto del desencanto, de la decepción, el escepticismo y la frialdad emocional, ” ¿Para qué he vivido, con qué objetivo nací?” No encuentra sentido a la sucesión de sus días. En su defensa, él mismo sufre, y desde luego, hace sufrir, causando la desgracia de quienes le rodean.

Un mito maldito que llevado por su egocentrismo se burla y divierte a costa de los demás, ya sean hombres o mujeres, ” yo me río de todo, en especial de los sentimientos”. Amante del juego de la seducción, gusta de ejercer su poder sobre las mujeres y enamorar, anhela ser amado,” mi amor no ha dado a nadie la dicha porque no he sacrificado nada por quienes amaba; amaba para mí mismo, para mi propio placer, me limitaba a satisfacer una extraña exigencia del corazón…sin lograr

saciarme nunca”.

A veces su corazón está a punto de rendirse, como ocurre con Mary, pero su miedo al compromiso, y tal vez su escepticismo, le impulsa a provocar odio y huir. En este rasgo coincide con nuestro mito de Don Juan, como burlador de mujeres y desafío a la sociedad y a la propia muerte.

De telón de fondo, la sociedad y su tiempo. En escena, su héroe, porque: ¿Dónde la razón de su mal? ¿ Acaso no es difícil vivir con tal cúmulo de dones? ¿ Quién envidia su suerte?

Pregunta latente en la última película de Woody Allen, “El sueño de Cassandra”. Es como traspasar una línea, dirá Terry, una vez traspasada ya no hay vuelta atrás. Casandra es un barco, símbolo de los sueños de dos hermanos, Ian y Terry, quienes por diferentes motivos deciden cometer un crimen.  Ian, parece capaz de todo por su ambición, o de casi todo, porque él también encuentra su límite. Terry, en cambio, nos recuerda por su ludopatía , al protagonista de El jugador de Dostoievski,    y  principalmente, por su tortuoso sentimiento de culpa, a Raskólnikov de Crimen y Castigo. Terry representa visualmente el proceso que describirá con laboriosa minuciosidad y profundidad Dostoievski, una agonía autodestructiva a la que tras una angustiante batalla deseará poner fin con su confesión, aceptar el sufrimiento , y , con él, redimirse, le aconseja la dulce Sonia.

Ambos autores inciden en otro rasgo común, mostrar la ambivalencia humana. Los personajes de Woody Allen poseen cualidades y debilidades. En cuanto a Raskólnikov ¿Qué lector no empatiza o se compadece de su sufrimiento? Conoceremos su generosidad, buen corazón y nobleza. Destaco un maravilloso pasaje, una pesadilla que sufre Raskólnikov, donde como un volcán en erupción nos transmite con fuerza  el horror, la compasión y la ternura del protagonista ante el injusto y vejatorio maltrato que sufre una indefensa mula. En sus sueños esta mula podría ser su hermana, decidida a casarse para ayudar a la familia, o Sonia quien se prostituye para sustentar a la suya , o cualquier mujer rusa.

A Rodia, como lo llaman en la intimidad, no le mueve exclusivamente la pobreza, que asolaba al vasto país, sino sus ideas, su ” teoría de Napoleón”, clave en al interpretación de la novela en una época en la que Rusia se abre a Occidente debido a las reformas de Pedro I. El autor, arraigado en la religión ortodoxa y sus valores tradicionales, se opone a esta medida considerando perniciosa cualquier influencia de Occidente. Raskólnikov actúa influenciado por ideas occidentales, la idea del Superhombre de Nietzche, lo que le  supondrá el desplazamiento de la sociedad rusa, la soledad más absoluta . Dostoievski responde a Nietzche en sus novelas,  también en Los Hermanos Karamazov, Iván representará el ateísmo, Dios ha muerto, todo está permitido, pero Iván cae en la locura. No, afirma Dostoievski, no todo está permitido, existe un sentido moral en el hombre y su destino.

Raskólnikov asesina a la vieja usurera desconociéndose a sí mismo y las consecuencias de sus actos. Cometido el asesinato padece un intenso estado nervioso que le hace enfermar, traba una punzante lucha moral consigo. Todo son sospechas, indicios, amenazas, insinuaciones, se siente perseguido, no distingue entre la realidad y su imaginación,  sufre un estado paranoico y delirante. Elabora Dostoievski un sutil e intrigante juego psicológico de ambigüedades que rodea y atrapa a su protagonista. El autor salva a su personaje confesando su culpa y aceptando finalmente el castigo. En mi opinión, será el amor que logra sentir por Sonia, su redención.  Refulgía ya la aurora de un renovado porvenir, de una plena resurrección a nueva vida. Los resucitaba el amor…

Dostoievski no se ciñe en sus novelas a su criterio, en ellas dará vida a una polifonía de voces correspondientes con las diversas y opuestas opiniones sobre los temas suscitados , en la que tratamos  el derecho a la vida, la moral, la fe, la trasgresión y sus consecuencias, el perdón, lo que llamaba Bajtín polifonía y dialogismo en las novelas de Dostoievski. Dejo en el tintero infinidad de temas, situaciones, personajes e ideas ofrecidas por la penetrante mirada de este autor, hábil en excavar en el carácter humano y su complejidad.

Retomando a Woody Allen ¿Habrá querido dar el mismo sentido moral a su película, o su contrario? Que disfruten de ambas obras.

Padres e Hijos se considera la mejor novela de este autor. El narrador ya no muestra su voz, será un narrador omnisciente neutral, y en Turguéniev, además de imparcial, sutil, donde se muestra más que se narra. Nos resultará un estilo moderno y cercano a nosotros. Su escritura pudorosa y elegante ciñe de intriga y misterio a sus personajes. Tengo que reconocer que me cautiva el estudio psicológico de los personajes, y  tanto Bazárov como Anna Odíntsova  suscitaron mi interés.

Esta novela se inicia con el reencuentro de un padre  anhelante por  ver a su hijo, quien regresa tras terminar sus estudios universitarios; en esta ansiada espera el padre rememorará su pasado. Se conjuga el tiempo circular, los mismos acontecimientos que vivirá su hijo, con lo histórico, pues en este transcurso de tiempo habrá cambios sociales e ideológicos, una inevitable diferencia generacional que los padres tendrán que aceptar. El hijo que retorna es el mismo y es otro. Turguéniev pretende enfrentar la generación de los padres, años 40, idealista, romántica y soñadora, pero que también arrastraba los prejuicios morales, con la nueva generación, años 60, y el nihilismo generado a finales del XIX. Se atribuye a Turguéniev el primer personaje nihilista, Bazárov. El nihilismo ruso aunque posea la libertad y el espíritu crítico con todo lo establecido se caracteriza por una visión positivista, utilitaria, práctica, y material creando una concepción vital deshumanizada y empobrecida. El propio Bazárov negará el arte y el amor, supone la victoria de la racionalidad científica; con afán demoledor todo se niega, pero sin ofrecer alternativa. Constituirá la base del futuro anarquismo.

Resulta también un benévolo retrato de la familia y de la vida sencilla en el campo, una alabanza a la figura del padre o la madre,rebosantes de amor, bondad, preocupación, cuidados y tolerancia para con sus hijos. Totalmente opuesto a a la figura paternal autoritaria que en más de una ocasión nos retrata Pushkin. Describe escenas familiares que son inalterables, analizando las relaciones desarrolladas entre los padres y sus hijos , quienes buscan su identidad y su propio vuelo.

No hay novela sin historias de amor y en esta novela conoceremos el amor hermoso, capaz de  salvar convenciones morales y sociales, sentiremos la gratitud y felicidad de los amores correspondidos. En la otra cara de la felicidad encontramos el amor frutrado de Pável, quien juega toda su vida a una carta condenándose a la soledad, y el misterio entre Bazárov y Anna, cuyo amor es recíproco, pero…. dejemos al lector que realice sus propias conclusiones de estos personajes, felices y trágicos, y sus avatares.

A través de ellos conoceremos la Rusia de la época pero también nos identificaremos con sus personajes, reconociendo los rasgos eternos de la condición humana.

Comenzaré con la novela que da título a nuestra sección, Almas Muertas, de Nikolái Gógol ( 1809-1852), el escritor más destacable de su tiempo, después de Pushkin. Su escritura se inicia con la influencia del romanticismo para evolucionar a un realismo sátiro, caricaturesco, tildado de grotesco. Será uno de los escritores más influyentes para las generaciones posteriores; Dostoievski, e incluso el más cercano Kafka, se inspiraron en él.

Almas Muertas es su novela más famosa, de la que tan sólo se conserva la primera parte, pues quemó la segunda . La idea se la ofreció su admirado Pushkin y se basa en un hecho real: el protagonista, Chichikov, es un granuja con la única pretensión de hacerse rico y para ello realizará todo tipo de fraudes, como apropiarse de las almas muertas, campesinos fallecidos . Las aventuras y desventuras de Chichikov serán un pretexto para ofrecer una crítica y ácida visión de la Rusia jerárquica, feudal y corrupta de la época así como censurar la servidumbre de gleba, las denigrantes condiciones de sumisión de los campesinos.

Gógol nos retrata una galería de personajes caricaturescos abarcando todas las clases sociales, pero será una visión no carente de sentido del humor ni tampoco de comprensión al género humano. Ensalza la belleza de los paisajes rusos con líricas y emotivas descripciones y, al igual que Eugenio Oneguin de Pushkin , intercala sus propias reflexiones sobre temas universales como el paso del tiempo, el amor, el choque entre el sueño y la realidad, la nostalgia de su tierra, la soledad o la incomprensión del escritor.

Desnuda su alma al lector, a quien sabe acercarse y despertar su interés, tanto por su dominio de una prosa lírica y lúcida como por su estilo divertido y caricaturesco. Si representa unas almas que están muertas , nosotros seremos unas almas vivas.